Garsios tapybos suknelės, pagal kurias galima spręsti, kokia buvo eros mada

2024 Autorius: Richard Flannagan | [email protected]. Paskutinį kartą keistas: 2023-12-16 00:12

Nuo neatmenamų laikų menas ir mada darė viena kitai įtaką, privertę kritikus ir madas atidžiai sekti naujas tendencijas, skubiai pakeičiančias viena kitą. Ir nors vieni vertino paveikslą pagal technines charakteristikas, kiti bėgo pas siuvėjus, kad netrukus gautų tokią suknelę, kokia buvo ant drobių pavaizduotų herojių.

1. Renesansas

Renesansas buvo kultūrinio ir meninio atgimimo metas, nes klasicizmas revoliucingai grįžo į Europos visuomenes. Tačiau šis laikotarpis taip pat pastebėjo reikšmingų mados pokyčių. Pažiūrėkite, kaip garsios paveikslų suknelės paveikė madą Renesanso laikais.

Jano van Eycko „Arnolfini poros portretas“yra vienas iš pagrindinių portretų tapybos audinio tyrimo elementų. Smaragdiškai žalios spalvos vilnonis drabužis ir ermino spalvos rankovės demonstruoja šeimyninę padėtį, nes tik turtingi žmonės galėjo sau leisti tokį audinį. Vilna, šilkas, aksomas ir kailis buvo retai gaminami ir brangesni nei medvilnė ar linas, jie buvo statuso ir turto simbolis. Vienas iš labiausiai prieštaringų klausimų, susijusių su paveikslu, yra tai, ar vaizduojama moteris (tikriausiai Arnolfini žmona) yra nėščia. Renesanso sijonai buvo tokie vešlūs ir sunkūs, kad moterys juos pakėlė, kad būtų lengviau judėti.

Pridėtos kreivos suknelės raukšlės taip pat rodo tendenciją vaizduoti moteris su ryškiu pilvu, nes tai užsiminė apie vaikų susilaukimą santuokos metu. Kitas to pavyzdys - brolių Limburgo „Les Très Riches Heures du Duc de Berry“. Abiejuose vaizduose moterys vaizduojamos labiau suapvalintais pilvais. Didžiojoje Berry kunigaikščio valandų knygoje pavaizduotos vestuvės, ir tai galima palyginti su Arnolfini portretu, nes abi moterys, laukdamos nėštumo, projektuoja motinystės įvaizdį. Nežiūrint į paveikslą iš šiuolaikinės perspektyvos, galima pamatyti jį kaip įrašą, ką moterys dėvėjo ir ką žmonėms svarbu parodyti kitiems.

2. Baroko ir rokoko laikotarpiai

Baroko ir rokoko laikotarpiams būdingas išskirtinis dekoras, dekadansas ir žaismingumas. Šios tendencijos pasireiškė ne tik mene, bet ir madoje per įmantrius ornamentus ir prabangias sukneles. Pažvelkite į keletą garsių meno įkvėptų suknelių.

Nežinomas menininko dėmesys detalėms ir aprangai yra tai, dėl ko Elizabeth Clark Frick (p. John Frick) ir Mažoji Marija yra svarbus Naujosios Anglijos puritonų įrašas. Šia išvaizda Elžbieta vilki puikius amerikietiškus audinius ir aksesuarus iš 1600 -ųjų. Jos balta nėrinių apykaklė rodo populiarius Europos nėrinius, randamus tarp aristokratiškų moterų. Iš po suknelės matosi auksu siuvinėtas aksominis apatinis trikotažas, o rankoves puošia juostelės. Be to, moteris turi papuošalų: perlų vėrinį, auksinį žiedą ir granato apyrankę, o tai savo ruožtu byloja apie statusą ir klestėjimą. Šis paveikslas suteikia unikalią perspektyvą puritoniškam Elžbietos ir jos šeimos gyvenimui.

Taip pat verta paminėti faktą, kad menininkui meistriškai pavyko kuklioje aplinkoje sumaišyti turto įvaizdžius. Paveikslas aiškiai parodo Elžbietos turtus, išryškina jos geriausius drabužius ir papuošalus. Tai taip pat atspindi jos vyro Johno Fricko turtus, kuris galėjo sau leisti išpildyti visas žmonos užgaidas, pirkdamas jai įvairius drabužius ir papuošalus. Be to, paveikslas simbolizuoja jų puritonišką padėkos Dievui požiūrį, nes be Jo palaimos jie negalėjo turėti tokios prabangos.

Jean-Honore Fragonard sūpynės yra rokoko stiliaus pavyzdys prancūzų aristokratijos sluoksniuose. Paveikslas buvo užsakytas privačiai, kai prancūzų dvariškis paprašė dailininko nupiešti savo ir savo meilužės portretą. Nepaisant to, kad paveikslas buvo laikomas už uždarų durų, jis atskleidžia Prancūzijos karališkojo teismo prabangą, lengvabūdiškumą ir slaptą prigimtį.

Pastelinė rožinė suknelė išsiskiria vešliu sodu ir yra dėmesio centre. Jeanas dažė suknelę laisvais teptuko potėpiais, imituojančiais plačius jos suknelės sijonus ir raukšlėtą liemenį. Jo laisvas šepetys atitinka šios idiliškos sodo scenos siužetą, užpildytą flirtuojančiais ir įnoringais vaizdais.

Jo paveikslas taip pat demonstruoja mados tendencijas, nustatytas Prancūzijos teisme. Rokokas pranoko madą, meną ir architektūrą, kad sukurtų kažką unikalaus prancūziško. Rokoko mada apėmė prabangiausius audinius, įskaitant pastelinių spalvų šilką, aksomą, nėrinių ir gėlių raštus, taip pat per daug lankų, brangakmenių, maivymų ir dekoratyvinių papuošimų, kad sukurtų išvaizdą, kurią norėtų sutraukti dvariškiai ir svečiai. turi galvas. Stilius apibrėžė skirtumą tarp vargšų ir turtingųjų, nes aristokratija galėjo sau leisti prabangą iš išskirtinių audinių ir papuošalų. Moterims, dėvinčioms šiuos rokoko įkvėptus drabužius, paveikslas yra Prancūzijos karališkojo teismo prieš revoliuciją įsikūnijimas.

3. Garsios suknelės XIX amžiaus paveiksluose

XIX amžiuje meninis poslinkis iš neoklasicizmo į ankstyvąjį modernizmą užleido vietą stiliams ir mąstymo mokykloms. Šiame amžiuje pasikeitė ir mada. Skaitykite toliau, kad pamatytumėte, kaip paveikslai paveikė žinomų suknelių ir stilių, pastebimai modernesnių nei anksčiau, atsiradimą.

„Menas menui“buvo susietas su Jameso Abboto McNeillo Whistlerio „Simfonija balta“Nr. 1, ketinusia paveikslui suteikti dvasinę prasmę. Tačiau kritikai viso to nematė, nes paveikslas vaizdavo dailininkės meilužę, apsirengusią šviesiai balta suknele. Dėl to šis portretas tapo skandalingas. 1800 -aisiais moterų drabužiuose dažnai buvo plieninis krinolinis apatinis sijonas. Moterys taip pat dėvėjo korsetus tarp įvairių kitų apatinių drabužių, kad galėtų sukurti platesnius sijonus.

„Moteris baltai“yra visiškai priešinga tam, kas tuo metu buvo madinga ir garsi. Paveikslėlyje pavaizduota pagrindinio veikėjo suknelė buvo tam tikras apatinis trikotažas, kurį matė vyras arba meilužis, nes buvo manoma, kad tokius drabužius labai lengva nusivilkti. Whistleriui jo mūza turėjo būti akies malonios scenos dalis. Jis pavaizdavo Hiffernaną tokį, kokį ją matė, o tuo metu žiūrovams vaizdas buvo ir painus, ir šiek tiek nepadorus. Tačiau atėjus 1900 m., Tokia suknelė tapo kasdienio drabužio norma.

Džeimsas Tisotas sukūrė daugybę paveikslų, vaizduojančių moterų madą 1800 -ųjų pabaigoje. Jis aplenkė Europos madą ir yra gerai žinomas dėl to, kad tapė savo temas, atsižvelgdamas į naujausias mados tendencijas. Moterų mada Paryžiuje ir Londone pradėjo keistis XIX amžiaus pabaigoje. Platūs ir sunkūs jų Viktorijos laikų pirmtakų sijonai buvo pakeisti siauresniais su pūstais klostais gale.

Paveiksle „Mis Lloyd“herojė yra apsirengusi suknele, kokia buvo dėvima to meto visuomenėje, pabrėžiant siaurą juosmens ir smėlio laikrodžio figūrą. „Kathleen Newton portretas“(jo tuometinė kompanionė) yra visiškai priešinga Miss Lloyd įvaizdžiui. Dailininkė moterį su suknele pavaizdavo taip, tarsi ji spinduliuoja vangumą ir gundymą. Tačiau abi moterys turi savo ypatingą žavesį ir paslaptį. Pati suknelė simbolizuoja tuometinės populiariosios kultūros skirtumus. Vienas vaizdas yra tradicinis ir įprastas, o kitas yra atvirai intymus ir skandalingas 1800 -ųjų žiūrovams.

Johnas Singeris Sargentas sukūrė moters įvaizdį, kuris, nors ir nepriimtinas savo laikui, tapo vienu labiausiai atpažįstamų ir gerbiamų jo paveikslų. Tai ponia Virginie Gautreau, amerikietiškos gražuolės, sumaišytos su prancūzų aukštoji visuomene, portretas. Tai sukėlė tokį skandalą, kad pats Jonas turėjo išvykti iš Paryžiaus į Londoną.

Jos korsetas yra labai nukreiptas į apatinę pilvo dalį. Aštri, gili v formos iškirptė ir karoliukai pečių dirželiai vos neuždengia pečių ir atidengia intymias moters dalis, netinkamas viešai demonstruoti. Po to, kai Sargentas 1884 m. Pristatė paveikslą Paryžiaus salone, jis sukėlė kritikų ir žiūrovų pasipiktinimą, nes ištekėjusiai aukštesnės klasės moteriai nedera būti tokiai provokuojančiai. Salono publikai atrodė, kad paveikslo herojė dėvi ne suknelę, o apatinius. O Gautreau reputacija žmonių akyse ėmė slinkti iki nulio, nes daugelis ją laikė nepadoriu žmogumi. Galiausiai Sargent pašalino jos vardą iš portreto ir pervadino jį į „Madame X“.

4. Garsios suknelės XX amžiaus paveiksluose

XX amžiaus menas daugiausia dėmesio skyrė abstrakcijai ir išraiškai, patyrė reikšmingų pokyčių, naujų stilių ir temų. Tai taip pat paskatino ieškoti naujų mados ir meno formų ir sintezių. Čia parodytos garsios suknelės, vaizduojamos XX a.

Auksinė Adele Bloch-Bauer suknelė išsiskiria iš kitų aukštuomenės drabužių. Užuot pavaizdavęs aukščiausios klasės moterį, atsipalaidavusią sode ar skaitančią ant sofos, Klimtas paverčia Adelę kitoniška figūra. Jos suknelė yra besisukanti figūra, užpildyta trikampiais, akimis, stačiakampiais ir ikonografija. Nėra jokių tiesių raištinių korsetų ar drabužių sluoksnių ženklų. „Modern“yra gamtos temos ir mitiniai vaizdai. Tai taip pat taikoma bohemiškai madai, kurią pats Gustavas dėvėjo ir naudojo įvairiuose kituose paveiksluose.

Jis dažnai tapė mados dizainerės Emily Flege sukurtus piešinius. Ji nėra taip gerai žinoma mados pasaulyje, kaip jos amžininkai ar pirmtakai, tačiau jai puikiai sekėsi kurti madą savo meto moterims. Kartais tai buvo bendradarbiavimas, nes Gustavas naudojo savo garsiąsias sukneles daugelyje kitų savo paveikslų.

1920 -aisiais Tamara Lempicka sukūrė portretus, tyrinėjančius moteriškumą ir nepriklausomybę. „Art Deco“menininkė tapo žinoma dėl savo įžymybių portretų, tyrinėjančių stilizuotą ir šlifuotą kubizmo formą, tapusią jos prekės ženklu. Ira Perrault (artima Lempickio draugė ir tikėtina meilužė) laikoma tiesiogine „La Musicienne“muzikos apraiška. Paveikslas išsiskiria mėlynos suknelės vaizdavimu. Griežta Tamaros šešėlių metimo technika su turtinga spalvų palete suknelei suteikia judesio, todėl atrodo, kad ji sklando ore. Trumpas suknelės kraštas ir tekantys klostai vis dar primena 1920 -ųjų madą, kuri buvo lūžis moterų madoje. Moterys vilkėjo sukneles, apnuoginančias kojas ir rankas, ir klostuotus sijonus, palengvinančius šokius.

Tamarą įkvėpė ir studijavo Renesanso meistrai ir ji naudojo panašias temas su šiuolaikiniu požiūriu. Tradiciškai mėlyną spalvą galima pamatyti ant Mergelės Marijos suknelių viduramžių ar renesanso paveiksluose. Ultramarino mėlyna spalva buvo reta ir buvo naudojama reikšmingiems paveikslams.

Spalvingi ir rankų darbo meksikietiški audiniai įpinti į Frida Kahlo kūrybą. Ji apėmė šiuos drabužius kaip savo palikimo dalį ir dėvėjo juos daugybe autoportretų ir nuotraukų. Garsiosios „The Two Fridas“suknelės simbolizuoja jos ryšius su abiem jos Europos ir Meksikos paveldo pusėmis.

Kairėje esanti Frida atspindi jos auklėjimą aukštesnės vidurinės klasės šeimoje. Jos tėvas buvo kilęs iš Vokietijos, o vaikystėje buitinis gyvenimas apėmė Vakarų papročius. Balti suknelės nėriniai simbolizuoja Europos madoje populiarų stilių. Ši vakarietiška versija kontrastuoja su dešiniosios pusės Fridos troškimu pasipuošti savo meksikietišku paveldu vilkint tradicinę suknelę. Šiuos drabužius paskatino jos vyras Diego Rivera, ypač kovojant dėl šalies pakeitimo. Suknelė parodė jos pasididžiavimą dėvėti vietinius ir tradicinius drabužius iš Meksikos.

Kahlo apranga yra svarbus jos gyvenimo ir darbo aspektas. Vaikystėje susirgus poliomielitu, o viena koja tapo trumpesnė už kitą, spalvingi sijonai jai tapo būdas paslėpti koją taip, kad ji būtų apsaugota. Menininko drabužių spintoje buvo suknelės „tehuana“, palaidinės „huipil“, „rebozo“, gėlėti galvos apdangalai ir senoviniai papuošalai. Šie Kahlo drabužiai iliustruoja jos meilę, skausmą ir kančias, kuriuos ji įtraukė į savo darbą.

Apie, kaip per šimtmečius keitėsi kimono ir kokį vaidmenį ji atliko mene ir šiuolaikinėje madoje, skaitykite kitame straipsnyje.