Turinys:

Kaip žinomų menininkų paveikslai tapo mados dalimi, formuojant naują XX a
Kaip žinomų menininkų paveikslai tapo mados dalimi, formuojant naują XX a

Video: Kaip žinomų menininkų paveikslai tapo mados dalimi, formuojant naują XX a

Video: Kaip žinomų menininkų paveikslai tapo mados dalimi, formuojant naują XX a
Video: We Keep Finding Very Strange Things From The Past - YouTube 2024, Kovas
Anonim
Image
Image

Meno ir mados sąsajos apibrėžia konkrečias istorijos akimirkas. Abi šios terpės atspindi socialinius, ekonominius ir politinius pokyčius nuo riaumojančio dvidešimtojo dešimtmečio iki gyvybingo aštuntojo dešimtmečio. Štai keturi menininkų ir mados dizainerių pavyzdžiai, kurie savo darbu padėjo formuoti naują XX amžiaus meno ir mados perspektyvą.

1. Halstonas ir Warholas: mados brolija

Keturi Halstono, Andy Warholo portretai. / Nuotrauka: google.com
Keturi Halstono, Andy Warholo portretai. / Nuotrauka: google.com

Roy Halston ir Andy Warhol draugystė apibrėžė meno pasaulį. Ir Roy, ir Andy buvo lyderiai, kurie atvėrė kelią padaryti menininką / dizainerį įžymybe. Jie pašalino pretenzingą meno pasaulio stigmą ir atnešė masėms madą bei stilių. Vaizdams kurti Warholas kelis kartus naudojo šilkografiją. Nors jis tikrai neišrado šio proceso, jis sukėlė revoliuciją masinės gamybos idėjai.

Roy naudojo paprastus ir elegantiškus audinius ir raštus, naudodamas blizgučius, ultras ir šilką. Jis buvo vienas pirmųjų, kuris padarė Amerikos madą prieinamą ir geidžiamą. Abu jie paliko paskutinį pėdsaką mene ir stiliuje 1960 -aisiais, 70 -aisiais ir 80 -aisiais, kurie tęsiasi iki šiol.

Ir Roy, ir Andy kartu dirbo prie daugybės skirtingų projektų. Warholas sukūrė reklamos kampanijas, kuriose buvo rodomi Halstono drabužiai ir net pats Halstonas. Savo ruožtu Halstonas naudojo Warhol gėlių atspaudą kai kuriose savo drabužių kolekcijose - nuo vakarinių suknelių iki laisvalaikio komplektų.

Iš kairės į dešinę: Gėlės, 1970 m. / Lisa, 1978 m. / Gėlės, 1970 m. (Visi Andy Warhol kūriniai). / Nuotrauka: wmonden.ro
Iš kairės į dešinę: Gėlės, 1970 m. / Lisa, 1978 m. / Gėlės, 1970 m. (Visi Andy Warhol kūriniai). / Nuotrauka: wmonden.ro

Roy savo drabužiuose naudojo paprastus modelius, todėl jie buvo labai sėkmingi. Juos buvo patogu nešioti, tačiau audinių, spalvų ir spaudinių dėka jie taip pat pasižymėjo prabanga. Warholas taip pat supaprastino savo medžiagas ir procesą. Tai palengvino jo kūrinio atgaminimą ir tapo labiau parduodama.

Komercinė sėkmė abiem menininkams turėjo savų iššūkių. Halstonas pirmasis pradėjo bendradarbiauti su mažmeninės prekybos tinklu „JCPenney“1982 m. Ir tai turėjo įtakos jo prekės ženklo kokybei. Warholas taip pat sulaukė kritikos, nes jo darbas buvo suvokiamas kaip paviršutiniškas. Tačiau abu modernizavo savo mažmeninę prekybą ir rinkodarą savo atitinkamose erdvėse, kad sukurtų prekių ženklus masinei rinkai.

Iš kairės į dešinę: Halstono suknelė, 1972 m. / Suknelė su pelerina, 1966 m. / Kostiumas, 1974. / Nuotrauka: google.com
Iš kairės į dešinę: Halstono suknelė, 1972 m. / Suknelė su pelerina, 1966 m. / Kostiumas, 1974. / Nuotrauka: google.com

Roy ir Andy dažnai lankėsi „Studio 54“. Jie rengė vakarėlius, kūrė ir kūrė įžymybes, tokias kaip Liza Minnelli, Bianca Jagger ir Elizabeth Taylor. Visa tai atsispindi jų kūryboje, nes jie įkvėpė ir apibrėžė aštuntojo dešimtmečio disko erą.

Iš kairės į dešinę: Deimantiniai batai, 1980 m. / Deimantiniai bateliai su moteriška suknele, 1972 m. / Nuotrauka: pinterest.com
Iš kairės į dešinę: Deimantiniai batai, 1980 m. / Deimantiniai bateliai su moteriška suknele, 1972 m. / Nuotrauka: pinterest.com

Halstonas buvo žinomas dėl to, kad sukūrė blizgančius vakarinius drabužius. Roy horizontaliai padėjo blizgučius ant audinio, sukurdamas blizgantį medžiagos, kurią jis panaudojo kurdamas prabangius drabužius, kuriuos mėgsta daugelis spalvingų ponių, efektą.

„Warhol Diamond Dust Shoe“serija taip pat iliustruoja „Studio 54“naktinį gyvenimą ir ten gyvenančias įžymybes. Deimantines dulkes jis panaudojo virš trafaretų ar paveikslų, sukurdamas papildomą kūrinio gylio elementą. O jo batai iš pradžių buvo Halstono reklamos kampanijos idėja. Bet kokiu atveju šie du padarė didžiulį indėlį į madą, palikdami neišdildomą pėdsaką. Iš tiesų, net ir šiandien daugelis šiuolaikinių dizainerių yra įkvėpti Andy ir Roy idėjų, kurdami nuostabias kolekcijas su praeities atgarsiais.

2. Sonia Delaunay: Kai menas tampa mada

Sonia Delaunay su dviem draugais Roberto Delaunay studijoje, 1924 m. / Nuotrauka: twitter.com
Sonia Delaunay su dviem draugais Roberto Delaunay studijoje, 1924 m. / Nuotrauka: twitter.com

Sonia Delaunay ne tik sukėlė revoliuciją naujai kubizmo formai, bet ir įvedė ryšį tarp meno ir mados. Ir Delaunay, ir jos vyras buvo orfizmo pradininkai ir eksperimentavo su įvairiomis abstrakcijos formomis mene. Ji buvo pirmoji tokia, kuri pasinaudojo savo meniniu stiliumi ir persikėlė į mados pasaulį, naudodama originalius tekstilės dizainus, spaudinius ar raštus. Ji labiau įsiminė dėl savo meno ir ryšio su vyru, o ne dėl mados. 1920 -aisiais jos stilius vaidino svarbų vaidmenį, o drabužių katalogas labiau įsimenamas dėl nuotraukų ir nuorodų į jos meną, o ne dėl pačių drabužių. Sonyai buvo ir nėra ribos tarp meno ir mados. Jai jie yra vienas ir tas pats.

Iš kairės į dešinę: trys suknelės, Sonia Delaunay, 1925 m. / Trys suknelės viename, 1913 m. / Nuotrauka: yandex.ua
Iš kairės į dešinę: trys suknelės, Sonia Delaunay, 1925 m. / Trys suknelės viename, 1913 m. / Nuotrauka: yandex.ua

Ji pradėjo savo mados verslą 1920 -aisiais, kurdama drabužius klientams ir kurdama audinius gamintojams. „Sonya“pavadino savo etiketę „Simchronous“ir žengė dar toliau, naudodama spalvas ir raštus įvairiais klausimais. Jos kūryboje svarbų vaidmenį atliko sinchroniškumas, o jos neįprasta technika priminė kratinį antklodę ar tekstilę iš Rytų Europos: spalvos buvo uždėtos viena ant kitos, o raštai buvo naudojami harmonijai ir ritmui sukurti. Jos bendros temos apima kvadratus / stačiakampius, trikampius ir įstrižines linijas ar sferas - visa tai sutampa įvairiuose jos dizainuose.

Sonia Delaunay kūriniai. / Nuotrauka: ok.ru
Sonia Delaunay kūriniai. / Nuotrauka: ok.ru

Delaunay buvo jauna moteris Edvardo laikais, kai korsetai ir atitikimas buvo norma. Tai pasikeitė 1920-aisiais, kai moterys pradėjo dėvėti sijonus virš kelių ir laisvus, tinkamus drabužius. Šį aspektą galima pastebėti Delaunay projektuose ir ji aistringai kūrė drabužius, atitinkančius moterų poreikius. „Sonya“sukūrė maudymosi kostiumėlius, kurie leido moterims jaustis patogiau, net sportuojant ir plaukiant. Savo spaudinius ji uždėjo ant paltų, batų, skrybėlių ir net automobilių, naudodama bet kokį paviršių kaip drobę. Jos dizainas sukūrė judėjimo ir išraiškos laisvę per spalvą ir formą.

Iš kairės į dešinę: kostiumas Rene Le Somptier filmui, 1926 m. / Kleopatros kostiumas rusų baletui, 1918 m. / Nuotrauka: facebook.com
Iš kairės į dešinę: kostiumas Rene Le Somptier filmui, 1926 m. / Kleopatros kostiumas rusų baletui, 1918 m. / Nuotrauka: facebook.com

Per visą savo karjerą ji nuolat bandė kažką naujo, todėl persikėlė į kiną ir teatrą. Sonia kūrė kostiumus Rene Le Somptier filmui „Mažoji paryžietė“, o jos vyras - filmo sceną. Ji mėgo geometrines figūras, mikliai jas derindama ir maišydama tarpusavyje, kurdama keistus modelius ir sulaužytas linijas, kurios tapo jos skiriamuoju ženklu.

3. Elsa Schiaparelli ir Salvadoro Dali bendradarbiavimas

Batų skrybėlė. / Nuotrauka: gr.pinterest.com
Batų skrybėlė. / Nuotrauka: gr.pinterest.com

Siurrealistinio meno avangardas derinamas su siurrealistinės mados lyderiu. Salvadoras Dali ir mados dizainerė Elsa Schiaparelli per visą savo karjerą bendradarbiavo ir įkvėpė vienas kitą. Jie sukūrė tokius ikoniškus įvaizdžius kaip „Lobster Dress“, „The Shoe Hat“ir „The Asar Dress“, kurie šokiravo ir įkvėpė tiek meno, tiek mados žiūrovus. Dali ir Schiaparelli atvėrė kelią būsimam mados dizainerių ir menininkų bendradarbiavimui, panaikindami atotrūkį tarp nešiojamo meno ir mados. Dali savo darbe naudojo omarus kaip pasikartojančią temą ir domėjosi jų anatomija.

Suknelė „Omar“. / Nuotrauka: pluralartmag.com
Suknelė „Omar“. / Nuotrauka: pluralartmag.com

Suknelė „Omaras“yra bendras Elsos ir Dali darbas, o jų sukūrimas sukėlė daug ginčų ne tik debiuto dieną, bet ir vėliau. Pirma, jis turi vientisą liemenį ir baltą organzos sijoną. Neįprasta apranga tiesiogine prasme susprogdino mados pasaulį, sukeldama daug ginčų dėl šio rezultato. Balto audinio naudojimas taip pat kontrastuoja su raudona omaro spalva. Balta spalva gali būti laikoma nekalta arba simbolizuojanti grynumą, palyginti su raudona, o tai gali reikšti atsipalaidavimą, jėgą ar pavojų.

Iš kairės į dešinę: moteris su gėlių galva, Salvadoras Dali, 1935 m. / Suknelė skeletas, Elsa Schiaparelli, 1938 m. / Nuotrauka: youtube.com
Iš kairės į dešinę: moteris su gėlių galva, Salvadoras Dali, 1935 m. / Suknelė skeletas, Elsa Schiaparelli, 1938 m. / Nuotrauka: youtube.com

Skeletas yra dar viena siurrealistinio meno tema ir buvo naudojama labiau bendradarbiaujant tarp Dali ir Schiaparelli. Suknelė „Skeleton“buvo pirmoji tokia. Elsa naudojo techniką, vadinamą „trapunto“, kai du audinio sluoksniai yra susiuvami kartu, sukuriant kontūrą, kur įkišama vata, taip sukuriant pakeltą efektą. Ši technika sukuria tekstūruotą paviršių ant lygaus audinio, sukurdama iliuziją, kad per suknelę kyšo žmogaus kaulai. Tai sukėlė skandalą, nes suknelė buvo pasiūta iš elastingos medžiagos, prilipusios prie odos. Dali paveikslų ir piešinių fantazijos įsikūnijo į nerealų Schiaparelli aprangos pasaulį, kuris iki šiol daro neišdildomą įspūdį tiek žiūrovams, tiek dizaineriams.

4. Yves Saint Laurent: Meno ir įkvėpimo susidūrimas

Iš kairės į dešinę: Yves Saint Laurent suknelė „Picasso“, 1988 m. / Georges Braque paukščiai, 1953 m. Nuotrauka: pinterest.com
Iš kairės į dešinę: Yves Saint Laurent suknelė „Picasso“, 1988 m. / Georges Braque paukščiai, 1953 m. Nuotrauka: pinterest.com

Kur yra riba tarp mėgdžiojimo ir įvertinimo? Kritikai, publika, menininkai ir dizaineriai stengėsi nustatyti, kur eina ši linija. Tačiau kalbant apie Yvesą Saint Laurentą, jo ketinimai buvo ne kas kita, kaip glostymas ir susižavėjimas menininkais ir paveikslais, kuriuos jis panaudojo kaip įkvėpimą. Žvelgdamas į savo didžiulį portfelį, Saint Laurentą įkvėpė viso pasaulio kultūros ir menas, kuriuos jis sėkmingai įtraukė į savo drabužius.

Iš kairės į dešinę: kokteilinė suknelė - pagerbimas Pete'ui Mondrianui, 1965 m. / Vakarinė suknelė - duoklė Tomui Wesselmannui, 1966 m. / Nuotrauka: vk.com
Iš kairės į dešinę: kokteilinė suknelė - pagerbimas Pete'ui Mondrianui, 1965 m. / Vakarinė suknelė - duoklė Tomui Wesselmannui, 1966 m. / Nuotrauka: vk.com

Nors Yvesas niekada nesutiko menininkų, kurie jį įkvėpė, tai nesutrukdė jam kurti meno kūrinių kaip pagarbos jiems ženklo. Laurentas įkvėpė tokių menininkų kaip Matisse, Mondrian, Van Gogh, Georges Braque ir Picasso. Jis buvo meno kolekcionierius ir rinko Picasso ir Matisse paveikslus, kuriuos pakabino savo namuose.

Yvesas paėmė kai kuriuos meno motyvus ir pavertė juos nuostabiais drabužiais, kurie pagerbia kai kuriuos jo mėgstamiausius menininkus. Septintasis dešimtmetis buvo revoliucijos ir komercijos laikas, nauja mados ir meno era. Saint Laurent'o projektai sulaukė komercinės sėkmės, kai jis pradėjo semtis įkvėpimo iš pop meno ir abstrakcijos. 1965 m. Jis sukūrė dvidešimt šešias sukneles, įkvėptas Piet Mondrian abstrakčių paveikslų. Suknelės įkūnijo Mondriano supaprastintas formas ir paryškintas pagrindines spalvas. Yvesas naudojo techniką, kai tarp audinio sluoksnių nebuvo matyti jokių siūlių, todėl susidarė įspūdis, kad drabužiai yra vienas visas gabalas. Saint Laurentas paėmė Mondriano meną iš 1920 -ųjų ir padarė jį nešiojamu, palyginti su 1960 -aisiais.

Iš kairės į dešinę: Van Gogo stiliaus švarko detalė, 1988 m. / Įžymios Van Gogo saulėgrąžos, 1889 m. / Nuotrauka: zhuanlan.zhihu.com
Iš kairės į dešinę: Van Gogo stiliaus švarko detalė, 1988 m. / Įžymios Van Gogo saulėgrąžos, 1889 m. / Nuotrauka: zhuanlan.zhihu.com

Mados suknelės yra klasikiniai 1960 -ųjų stiliaus pavyzdžiai. Jie buvo panašūs į 1920 -ųjų drabužius, kurie buvo mažiau suvaržyti ir buvo su rankovėmis bei apatinėmis linijomis, atidengiančiomis dideles odos dėmes. Kvadratiniai Saint Laurent siluetai privertė moteris jaustis lengvomis ir laisvomis. Tai taip pat paskatino jį įkvėpti pop meno menininkų, tokių kaip Tomas Wesselmanas ir Andy Warholas. Jis sukūrė pop meno liniją, įkvėptą dizaino, kuriame buvo drabužių siluetai ir išpjovos. Kalbėta apie abstrakcijos mene ir dizaino komercializavimo apribojimų įveikimą. Laurent sujungė šias dvi idėjas, kad sukurtų drabužius moterims, kurie būtų laisvi ir patrauklūs šiuolaikinėms moterims.

Van Gogho stiliaus striukė, 1988 m. / Nuotrauka: zhuanlan.zhihu.com
Van Gogho stiliaus striukė, 1988 m. / Nuotrauka: zhuanlan.zhihu.com

„Saint Laurent“Vincent Van Gogh striukės yra pavyzdys, kaip Yvesas sujungė menininko įkvėpimą su savo paties dizaino talentais. Kaip ir kiti jo drabužiai, su menininku susijusios temos nebuvo nukopijuotos ir įklijuotos ant Saint Laurent drabužių. Vietoj to jis nusprendė juos naudoti kaip įkvėpimo šaltinį ir kurti kūrinius, atspindinčius jo paties stilių. Striukė yra 80 -ųjų stiliaus pavyzdys, kuris yra išsiuvinėtas saulėgrąžomis vaizdingo Van Gogo stiliaus.

Laurentas bendradarbiavo su aukštosios mados siuvinėjimo lyderiu Maison Lesage. Striukė "Saulėgrąžos" yra išsiuvinėta vamzdiniais karoliukais. Gėlės yra pripildytos įvairių atspalvių oranžinės ir geltonos spalvos. Tai sukuria daugialypę tekstūrą, panašią į Van Gogo metodą, taikomą storiems dažams ant drobės. Manoma, kad tai yra vienas brangiausių aukštosios mados gaminių, kada nors sukurtų ir parduotų „Christie's“už beveik keturis šimtus tūkstančių eurų. Saint Laurent atvėrė kelią drabužiams kaip meno kūriniui dėvėti, nepriklausomai nuo mados ir laikotarpio.

Tęsdami temą, taip pat skaitykite apie kas atvedė Saeko Yamaguchi į sėkmę, todėl ji tapo viena mylimiausių Kenzo ir Yamamoto mūzų.

Rekomenduojamas: