7 Ermitažo šedevrai, kuriuos verta pamatyti 2020 m

2024 Autorius: Richard Flannagan | [email protected]. Paskutinį kartą keistas: 2023-12-16 00:12

Mokslininkai jau seniai įrodė, kad menas teigiamai veikia žmonių sveikatą, nes sumažina nerimo ir streso lygį organizme. Tai ypač pasakytina apie vaizduojamąjį meną ir grožio apmąstymą. Todėl norint, kad 2020 -ieji būtų kupini palankios kūno ir dvasios būsenos, verta apsilankyti Ermitaže ir pamatyti garsiausias muziejaus ekspozicijas.

El Greco „Apaštalai Petras ir Paulius“

El Greco yra vienas ryškiausių ir originaliausių menininkų. Graikų kilmės, jis studijavo tapybą Italijoje didžiojo Titiano dirbtuvėse. Aliejaus technikos jis išmoko iš savo stabo, taip pat įkvėpė italų manierizmo meninės technikos. El Greco tarp kolegų išsiskyrė dramatiškai išraiškingo stiliaus originalumu. Savo portretuose jis daug dėmesio skyrė psichologiniam charakterizavimui. Šiame paveiksle iš Ermitažo menininkas vaizduoja du skirtingus žmonių tipus. Kairėje yra apaštalas Petras, tris kartus neigęs Kristaus egzistavimą. Jo veidas perteikia liūdesį ir netikrumą, o jo gestus gaivina atgaila ir maldavimas. Apaštalas Paulius, kuris, kaip žinote, iš pradžių buvo uolus krikščionių persekiotojas, paveiksle rodo dvasinį įkarštį tvirtinant tiesą. Rankų gestai, sudarantys kūrinio kompozicinį centrą, išreiškia dialogą, vienijantį abu apaštalus.

Žilaplaukis Piteris, apsivilkęs auksiniu chalatu, pakreipė galvą į šoną. Kairėje rankoje jis laiko savo simbolį - raktą į Dangaus karalystę. Pavelas tvirtai prispaudžia kairę ranką prie atviro tūrio ant stalo, dešinė ranka pakyla aiškumo gestu, žiūrėdama tiesiai į žiūrovą. Šv. Petras ir Paulius daug kartų pasirodo El Greco kūryboje ir yra vaizduojami stulbinančiai nuosekliai. Menininkas visada rodo Petrą žilų plaukų ir barzdos, o ant mėlynos tunikos jis dažnai dėvi geltoną chalatą. Paulius visada šiek tiek nuplikęs, tamsiais plaukais ir barzda, raudonu chalatu per mėlynus ar žalius drabužius.

Titiano „Atgailaujanti Marija Magdalietė“

Atgailaujanti Marija Magdalietė yra maždaug 1531 m. Šv. Marijos Magdalietės Titianos portretas, ant kurio kairėje pusėje yra indas „TITIANUS“. Pagal siužetą tai moteris, turinti ištirpusią praeitį, kuri, pasak Evangelijos (Luko 7, 36–50), atėjo į Simono fariziejaus namus prašyti Jėzaus atleidimo. Tai moteriška figūra, kurią Titianas vaizduoja storais, koncentruotais potėpiais ir šiltais tonais. Paletė išryškina neįtikėtinas akis, įmirkytas krištolo ašarose. Vario šviesūs plaukai, dengiantys figūrą, yra nuostabiai parašyti. Atgailaujančios Marijos Magdalietės tema, pakėlusi akis į dangų, XVI amžiuje išpopuliarėjo Italijoje tarp aristokratų, religinių lyderių ir turtingos viduriniosios klasės. Aprangos trūkumas simbolizuoja Magdalietės atsisakymą papuošalų, aukso ir pasaulietiškų pomėgių dėl tikėjimo Kristumi. Be to, auksiniai plaukai ir bendra Magdalietės figūra atitinka Renesanso grožio standartus.

Leonardo da Vinci „Madona Litta“

Paveikslas gavo savo vardą iš Milano didikų giminės, kurios kolekcijoje jis buvo rastas didžiąją XIX a. 1865 metais Rusijos caras Aleksandras II nusipirko drobę Ermitažui, kur ji eksponuojama iki šiol. Šiame darbe vaizduojama Madona, maitinanti Kristaus vaiką. Atkreipkite dėmesį, kad šiame paveikslėlyje nėra vaiduoklių. Tą pačią savybę demonstruoja daugybė Leonardo drobių. Figūros išdėstytos tamsiame interjere su dviem išlenktomis angomis, iš kurių atsiveria vaizdas į kalnuotą kraštovaizdį. Įdomi detalė: paveikslo centre, kairėje Kristaus rankoje, yra auksasparnis, kuris yra Kristaus aistros simbolis.

Motinystės džiaugsmo jausmas paveiksle „Madonna Litta“ypač žaviai vaizduojamas paties Marijos įvaizdžio turtingumo dėka - čia jis rado savo brandžią Leonardo moteriško grožio išraišką. Švelnus, gražus Madonos veidas suteikia ypatingo dvasingumo iki pusės užmerktoms akims ir švelniai šypsenai. Paveikslo kompozicija stebina savo stulbinančiu aiškumu ir tobulumu. Madona ir vaikas buvo bendras krikščioniškojo meno motyvas viduramžiais ir tęsėsi iki Renesanso.

„Lute grotuvas“Caravaggio

Paveikslą užsakė kardinolas Francesco del Monte, globojęs dailininką. Caravaggio vaizdavo jauną vyrą, susižavėjusį muzika: jo žvilgsnis kupinas įkvėpimo, pirštai įsikibę į stygas. Jauno vyro baltais marškiniais figūra aiškiai išsiskiria tamsiame fone. Griežtas šoninis apšvietimas ir krintantys šešėliai suteikia objektams beveik juntamą tūrį ir svorį. Paveiksle patalpinti objektai liudija apie menininko didelę meilę jį supančiam pasauliui, jo norą išties atkartoti gamtą, perteikti kiekvienos detalės materialinę kokybę. Ant užrašų knygelės, gulinčios prieš herojų su liutnia, užrašytos XVI amžiuje populiaraus madrigalo pradžios užrašai „Tu žinai, kad aš tave myliu“.

Meilę kaip šio kūrinio temą rodo ir kiti objektai. Pavyzdžiui, suskeldėjusi liutnia buvo meilės metafora, kuri nepavyksta. Kūrybiškumo aušroje Caravaggio dažnai suteikdavo jaunimui moteriškų bruožų, tačiau tai buvo būdinga XVI amžiaus pabaigos italų menui. Įdomu tai, kad muzikantas iš paveikslo iš Ermitažo dažnai buvo klaidingas dėl merginos, o kompozicija vadinosi „Lute Player“.

„Mėlyna ledi“Thomas Gainsborough

Vieną geriausių menininko darbų - „The Lady in Blue“- kūrė Gainsborough, kupinas savo kūrybinių galių. Jaunos moters figūra su atvira suknele, pagaminta iš skaidraus balto audinio, švelniai išsiskiria tamsiame fone. Jos milteliniai plaukai suformuoti į keistą šukuoseną. Ant nuožulnių pečių krenta didelės garbanos. Jaunatviško veido gaivumą pabrėžia pusiau atsivėrusios lūpos ir migdolo formos tamsios akys. Lengvai judindama dešinę ranką, ji laiko mėlyną šilko skarelę. Pilki, melsvi, rausvi ir balti tonai čia ir ten sustiprinami ryškiais potėpiais ir padeda perteikti modelio eleganciją ir grožį.

Gainsboro vaizdingų technikų drąsa stebino jo amžininkus. Taigi, Reynoldsas pastebėjo „keistas vietas ir bruožus“Gainsborough paveiksluose, „kurie labiau tikėtina atsitiktinumo, o ne sąmoningo ketinimo rezultatas“. Būtent ši neakademinė tradicija yra vienas didžiausių Gainsborough pasiekimų. „Ponia mėlyna“į Ermitažą pateko 1916 m. Iš A. 3. Chitrovo kolekcijos pagal testamentą.

Rembrandto Harmenszono van Rijno „Sūnaus palaidūno sugrįžimas“

Šis Biblijos meno šedevras dar kartą patvirtina Rembrandto, kaip vieno geriausių visų laikų tapytojų ir didžiausio iš visų senųjų meistrų, vaizdavimą Biblijos scenose. Paskutiniais gyvenimo metais dailininko užbaigtas paveikslas „Sūnaus palaidūno sugrįžimas“vaizduoja sceną iš palyginimo apie Luką 15: 11–32. Pasak žymaus menotyrininko Kennetho Clarke'o, drobė yra vienas didžiausių visų laikų paveikslų. Pagal siužetą tėvas, kaip ir patriarchas, uždeda rankas ant nusiskuto atgailaujančio pečių ir apsirengęs nusidėvėjusiais drabužiais. Jo akys beveik užmerktos. Atleidimo aktas tampa beveik sakramento sakramento palaiminimu.

Tai paveikslas su didžiausiu dvasingumu, be jokių anekdotinių aspektų, kuriame visi judesiai ir veiksmai sustojo. Scena paniro į tamsą, tarsi tunelis, nuo kurio tėvo ir jo vyriausiojo sūnaus veidai blyškiai spindi. Raudoni jų chalatai šiai tamsai suteikia švytėjimo. Rembrandtas ne kartą piešė sūnaus palaidūno temą, tačiau šioje monumentalioje aliejaus versijoje jis priėjo prie savo įdomiausio ir - dėl vyriausiojo ir jaunesniojo (palaidūno) sūnaus kontrastingumo - sudėtingiausios formuluotės.

Henri Matisse „Šokis“

„Šokis“yra vienas garsiausių Henri Matisse kūrinių - odė gyvenimui, džiaugsmui, fiziniam atstūmimui ir šiuolaikinio meno simbolis. Kūrinį 1909 metais užsakė įtakingas rusų kolekcininkas Sergejus Ščiukinas, papuošęs savo dvarą. Ši meno orgija, pasižyminti savo paprastumu ir energija, paliko neišdildomą pėdsaką XX amžiaus mene. Šokis buvo parašytas fovistinės estetikos viršūnėje ir įkūnija tradicinių Vakarų meno tradicijų emancipaciją. Estetinis Henri Matisse pasirinkimas šiam paveikslui sukėlė tikrą skandalą meno salonuose 1910 m. Drąsus nuogumas ir šiurkštūs atspalviai suteikė paveikslui nepaprastą ano meto charakterį, kuris kai kurių žiūrovų akimis atrodė barbariškas.

Matisas šiam šokiui pavaizdavo tik tris spalvas: mėlyną, žalią ir raudoną. Laikantis tradicinių fovistinių spalvų asociacijų, šie trys atspalviai sukuria intensyvų kontrastą. Tačiau Matisso tikslas nebuvo šokiruoti publikos. Priešingai, jis siekė suvienyti žmones tarpusavyje ir su gamta. Kaip sakė menininkas: „Tai, apie ką svajoju, yra subalansuotas, švarus ir ramus menas, galintis išvengti bėdų ar nusivylimo“.