9 puikių menininkų šedevrai, įkvėpę puikius mados dizainerius ir sukūrę unikalias kolekcijas

2024 Autorius: Richard Flannagan | [email protected]. Paskutinį kartą keistas: 2023-12-16 00:12

Per visą istoriją mada ir menas ėjo koja kojon, kad būtų sukurtas puikus derinys. Daugelis mados dizainerių savo kolekcijoms pasiskolino idėjų iš meninių judėjimų, o tai leido madą interpretuoti kaip meno formą, kuri daugiausia skirta idėjoms ir vizijoms išreikšti. Įtakos tam kai kurie tarptautiniu mastu žinomi mados dizaineriai sukūrė išskirtines kolekcijas, paremtas XX a.

1. Madeleine Vionne

Madame Madeleine Vionne, gimusi šiaurės centrinėje Prancūzijoje 1876 m., Buvo žinoma kaip „stiliaus deivė ir siuvėjų karalienė“. Viešnagės Romoje metu ji žavėjosi graikų ir romėnų civilizacijų menu ir kultūra, ją įkvėpė senovės deivės ir statulos. Remdamasi šiais meno kūriniais, ji suformavo savo stiliaus estetiką ir sujungė graikų skulptūros bei architektūros elementus, kad suteiktų naują moters kūno dimensiją. Madeleine, turinti įgūdžių apsivilkti ir pasvirusiomis suknelėmis, sukėlė revoliuciją šiuolaikinėje madoje. Savo meno kolekcijoms ji dažnai konsultavo tokius meno kūrinius kaip „Sparnuota Samotrakijos pergalė“.

Helenistinio meno šedevro ir Vionnės mūzos panašumai yra stulbinantys. Giliai apklijuojant audinį graikų chitono stiliumi, susidaro vertikalios šviesos juostos, tekančios žemyn figūra. Skulptūra buvo sukurta pagerbiant Nikę, graikų pergalės deivę, ir žavisi dėl tikroviško judesio vaizdavimo. Tekanti „Vionnet“dizaino užuolaida primena banguoto audinio judėjimą, kuris prilimpa prie „Nike“kūno. Suknelės gali būti kaip gyvos būtybės su siela, kaip kūnas. Kaip ir Sparnuota Samotrakės pergalė, Madeleine sukūrė sukneles, kurios pažadina giliai viduje slypinčią žmogaus esmę. Klasicizmas, tiek estetinė, tiek dizaino filosofija, suteikė Vionnei galimybę savo viziją perteikti geometrine harmonija.

Ji taip pat žavėjo šiuolaikinio meno judėjimais, tokiais kaip kubizmas. Madeleine į savo kūrinius pradėjo įtraukti geometrines figūras ir priėmė kitą jų pjovimo būdą, vadinamą kūginiu pjovimu. Žinoma, „Vionne“niekada netvirtino, kad išrado įstrižą kirpimą, o tik išplėtė jo naudojimą. XX amžiaus pradžioje moterys padarė didelę pažangą kovodamos už savo teises, Madeleine gynė savo laisvę, panaikindama ilgalaikį Viktorijos laikų korsetą nuo kasdienio dėvėjimo. Todėl ji tapo moterų išlaisvinimo iš krūtinės suvaržymo simboliu ir išleido naujus, lengvesnius audinius, kurie tiesiogine prasme liejosi ant moterų kūnų.

2. Pierpaolo Piccioli

Pierpaolo Piccioli yra pagrindinis Valentino dizaineris ir jį labai traukia viduramžių religiniai darbai. Pradinis įkvėpimo taškas jam yra pereinamasis momentas iš viduramžių į Šiaurės renesansą. Jis bendradarbiavo su Zandra Rhodes ir kartu sukūrė įkvepiančią kolekciją 2017 m. Pavasarį. Piccioli norėjo 70 -ųjų pabaigos pankų kultūrą susieti su humanizmu ir viduramžių menu, todėl grįžo prie savo šaknų ir Renesanso, įkvėpimo semdamasis Hieronymus Bosch paveiksle „Žemiškų malonumų sodas“.

Garsus olandų tapytojas buvo vienas ryškiausių XVI amžiaus Šiaurės renesanso atstovų.„Žemiškų malonumų sode“, kurį Boschas nutapė prieš Reformaciją, menininkas norėjo pavaizduoti rojų ir žmonijos kūrimą, pirmąją Adomo ir Ievos pagundą, taip pat pragarą, laukiant nusidėjėlių. Centrinėje srityje žmonės, atrodo, patenkina savo apetitą malonumų pasaulyje. „Bosch“ikonografija išsiskiria originalumu ir jausmingumu. Visas vaizdas aiškinamas kaip nuodėmės alegorija.

Mados pasaulyje paveikslas išpopuliarėjo, nes įvairūs mados dizaineriai buvo sužavėti jo motyvais. Maišydamas laikmečius ir estetiką, Piccioli iš naujo aiškino „Bosch“simbolius su skraidančiomis perregimomis suknelėmis, o Rodas sukūrė romantiškus spaudinius ir siuvinėtus raštus, šiek tiek panašius į originalų kūrinį. Spalvos tikrai buvo dalis žinutės, kurią dizaineriai norėjo perduoti. Taigi, skraidančių svajingų suknelių kolekcija sukurta pagal šiaurinę obuolių žalios, šviesiai rožinės ir mėlynos raudonųjų kiaušinių spalvų paletę.

3. Dolce ir Gabbana

Peteris Paulius Rubensas meistriškai piešė moteris su meile, mokymusi ir kruopštumu. Jis pristatė savo „Venerą prieš veidrodį“kaip aukščiausią grožio simbolį. Piteris vaizdavo tik jos šviesų veidą ir šviesius plaukus, kurie kontrastuoja su tamsiaodžia tarnaite. Veidrodis yra absoliutus grožio simbolis, kuris įrėmina moterį kaip portretą, o kartu subtiliai pabrėžia figūros nuogumą. Veidrodis, kurį Kupidonas laiko deivei, rodo Veneros atspindį kaip erotinio potraukio ir troškimo vaizdą. Rubensas, kuris buvo vienas iš baroko meno įkūrėjų, ir jo „spalvų per linijas“koncepcija paveikė kelis mados dizainerius, įskaitant „Dolce & Gabbana“. Baroko stilius nukrypo nuo Renesanso dvasios, atsisakė ramybės ir aptakumo, o siekė elegancijos, jaudulio ir judesio.

Mados dizaineriai Domenico Dolce ir Stefano Gabbana norėjo sukurti kampaniją, kuri paminėtų jausmingą ir romantišką moterų grožio pusę. Peteris Paulius Rubensas buvo tinkamiausias įkvėpimo šaltinis. Kultinio dueto kūryba puikiai derėjo su flamandų menininko menu. Šioje kolekcijoje modeliai pozavo labai kilniai, atrodydami taip, lyg ką tik būtų nužengę nuo vieno Rubenso paveikslo. Dekoracijos buvo skirtos priminti barokinius veidrodžius ir siuvinėjimo detales. Figūrų grakštumą ir pastelinių spalvų paletę gražiai pabrėžė brokatinė rožinė suknelė. Mados dizainerių pasirinkimas įtraukti įvairius modelius dar labiau prisidėjo prie tos eros kūno tipo. Kreivos linijos, kurias naudojo „Dolce“ir „Gabbana“, prieštaravo skirtingų kūno tipų diskriminacijai mados industrijoje.

„Dolce“ir „Gabbana“moterų rudens 2012 m. Kolekcija demonstruoja daugelį Italijos baroko architektūros bruožų. Ši kolekcija puikiai atitinka gausiai dekoruotas Sicilijos baroko stiliaus savybes. Dizaineriai daugiausia dėmesio skyrė baroko architektūrai, kaip matyti Sicilijos katalikų bažnyčiose. Atskaitos tašku tapo Rubenso paveikslas „Austrijos Anos portretas“. Savo karališkame portrete Austrijos Anna vaizduojama ispaniškai. Juodą Anos suknelę puošia vertikalios žalios spalvos siuvinėjimo juostelės ir auksinės detalės. Iš prabangios tekstilės, tokios kaip nėriniai ir brokatas, sukurtos dailiai sukurtos suknelės ir pelerinos tapo pagrindiniu „Dolce“ir „Gabbana“šou, kuris savo kūrybiškumu užkariavo pasaulį, bruožu.

4. Cristobal Balenciaga

Cristobal Balenciaga galima pavadinti tikru meistru, kuris XX amžiuje reformavo moterų madą. Gimęs nedideliame Ispanijos kaime, jis į savo šiuolaikinius projektus įtraukė Ispanijos meno istorijos esmę. Per visą savo karjerą Balenciaga buvo sužavėtas Ispanijos renesanso. Jis dažnai semdavosi įkvėpimo iš Ispanijos karališkosios šeimos ir dvasininkų. Mados dizainerė bažnyčios daiktus ir to meto vienuolių rūbus pavertė nešiojamais mados šedevrais.

Vienas didžiausių jo įkvėpėjų buvo manieristas El Greco, dar žinomas kaip Dominikos Theotokopoulos. Žvelgdami į kardinolą El Greco Fernando Niño de Guevara, galite pamatyti kardinolo apsiausto ir Balenciaga dizaino panašumus. Paveiksle pavaizduotas El Greco Toledo laikų ispanų kardinolas Fernando Niño de Guevara. El Greco idėjos buvo pasiskolintos iš Italijos renesanso neoplatonizmo, ir šiame portrete jis pateikia kardinolą kaip Dievo malonės simbolį. Manierizmas yra visame paveiksle. Tai pastebima pailgoje figūroje su maža galva, grakščiomis, bet keistomis galūnėmis, intensyviomis spalvomis ir klasikinių priemonių bei proporcijų atmetimu.

Balenciagos aistra istoriniams drabužiams akivaizdi šiame ekstravagantiškame vakariniame paltelyje iš jo 1954 m. Kolekcijos. Jis turėjo viziją ir sugebėjimą išrasti formas šiuolaikiškai. Perdėta šio palto apykaklė atkartoja maišišką kardinolo apsiausto stilių. Raudona kardinolo drabužių spalva simbolizuoja kraują ir jo norą mirti už tikėjimą. Ryškiai raudoną spalvą garsus dizaineris laikė nepaprasta, nes dažnai pirmenybę teikė drąsiems spalvų deriniams ir ryškiems atspalviams. Didžioji jo naujovė buvo juosmens linijos pašalinimas ir tekančių linijų, paprastų kirpimų ir trijų ketvirčių rankovių įvedimas. Tai darydama, Balenciaga sukėlė revoliuciją moterų madoje.

Dizaineris taip pat pristatė apyrankės ilgio rankoves, kurios leido moterims demonstruoti savo papuošalus. Septintajame dešimtmetyje, palaipsniui įtraukiant moteris į darbo pramonę, Balenciaga sumanė suteikti komfortą, laisvę ir funkcionalumą savo rengiamoms moterims. Jis reklamavo laisvas, patogias sukneles, kontrastuojančias su tinkamais dienos siluetais.

5. Aleksandras McQueenas

Austrijos menininkas, simbolikos meistras ir Vienos atsiskyrimo judėjimo įkūrėjas Gustavas Klimtas padėjo pamatus XX amžiaus meno istorijai. Jo paveikslai ir meninė estetika jau seniai įkvėpė mados dizainerius. Kiti, tokie kaip Aquilano Rimondi, L'Rene Scott ir Christian Dior, dizaineris, tiesiogiai nurodęs Klimtą, buvo Aleksandras McQueenas. „Resort Spring / Summer 2013“kolekcijoje jis sukūrė unikalius kūrinius, kurie, atrodo, yra įkvėpti menininko darbo. Žvelgiant į tekančią juodą suknelę su pasikartojančiu aukso raštu viršuje - gali kilti konkretus vaizdas. McQueenas naudojo abstrakčius, geometrinius ir mozaikinius bronzos ir aukso tonų dizainus, įtraukdamas juos į savo dizainą.

1905 metais Gustavas Klimtas nutapė paveikslą „Apkabinimas“, kuriame vaizduojama pora, patekusi į švelnų glėbį, tapusi meilės simboliu. Austrijos menininkas yra žinomas dėl savo auksinių paveikslų, taip pat dėl to, kad šiuose darbuose yra puikus abstrakcijos ir spalvų derinys. Visos mozaikos turi sodrius auksinius tonus su kaleidoskopinėmis ar natūraliomis puošmenomis, kurios turėjo didelę įtaką madai. Šis paveikslas yra ryškus dėl kontrastingų geometrinių figūrų tarp dviejų meilužių drabužių. Vyrų drabužius sudaro juodi, balti ir pilki kvadratai, o moterų suknelę puošia ovalūs apskritimai ir gėlių motyvai. Taigi Klimtas meistriškai iliustruoja skirtumą tarp vyriškumo ir moteriškumo. Aleksandras priėmė kažką panašaus į savo drabužius.

6. Kristianas Dioras

Impresionizmo įkūrėjas ir vienas didžiausių prancūzų dailininkų meno istorijoje Claude'as Monetas paliko didelį meninį palikimą. Naudodamas savo namus ir sodą Giverny įkvėpimui, Monet savo paveiksluose užfiksavo natūralų kraštovaizdį. Visų pirma paveiksle „Menininko sodas Giverny“jam pavyko manipuliuoti gamtiniu kraštovaizdžiu pagal savo poreikius. Rudos purvo takelio kontrastas su ryškia gėlių spalva papildo sceną. Garsioji impresionistė dažnai pasirinko rainelės gėlę dėl violetinės spalvos, kad sukurtų ryškios saulės efektą. Šis paveikslas kupinas gyvybės gėlėms žydint ir sveikinantis, apimantis pavasarį. Rožių ir alyvmedžių žiedlapiai, vilkdalgiai ir jazminai yra spalvoto rojaus dalis, pavaizduota ant baltos drobės.

Lygiai taip pat prancūzų mados pradininkas Christianas Dioras paliko didžiulį pėdsaką mados pasaulyje, kuris jaučiamas ir šiandien. 1949 m. Jis sukūrė aukštosios mados kolekciją pavasario / vasaros sezonui. Vienas iš šios parodos akcentų buvo ikoninė „Dior“suknelė, visiškai išsiuvinėta įvairių rožinių ir violetinių atspalvių gėlių žiedlapiais. Dior puikiai iliustravo du meno ir mados pasaulius ir šioje funkcionalioje suknelėje mėgdžiojo Monet estetiką. Jis daug laiko praleido kaime, tapydamas savo kolekcijas savo sode Granvilyje, kaip tai darė Monet. Taigi jis apibrėžė elegantišką „Dior“stilių, į savo kūrybą įtraukdamas Monet spalvų paletę ir gėlių raštus.

7. Yves Saint Laurent

Mondrianas buvo vienas pirmųjų menininkų, sukūrusių abstraktų meną XX a. Gimęs 1872 m. Nyderlanduose, jis įkūrė visą meno judėjimą „De Stijl“. Judėjimo tikslas buvo sujungti šiuolaikinį meną ir gyvenimą. Šis stilius, dar žinomas kaip neoplastika, buvo abstraktaus meno forma, kurioje buvo naudojami tik geometriniai principai ir pagrindinės spalvos, tokios kaip raudona, mėlyna ir geltona, derinami su neutraliais (juoda, pilka ir balta). Naujoviškas 1900 -ųjų pradžios Pito stilius privertė mados dizainerius atkurti šį gryną abstraktaus meno tipą. Geriausias šio tapybos stiliaus pavyzdys yra kompozicija su raudona, mėlyna ir geltona spalvomis.

Meno mylėtojas, prancūzų mados dizaineris Yvesas Saint Laurentas į savo aukštosios mados kūrinius įtraukė Mondriano paveikslus. Pirmą kartą jį įkvėpė Pete'o kūryba, kai jis perskaitė knygą apie dailininko gyvenimą, kurią mama jam padovanojo Kalėdoms. Dizaineris išreiškė savo dėkingumą menininkui savo 1965 m. Rudens kolekcijoje, vadinamoje Mondriano kolekcija. Įkvėptas dailininko geometrinių linijų ir drąsių spalvų, jis pristatė šešias kokteilines sukneles, kurios šventė jo ikoninį stilių ir apskritai šeštojo dešimtmečio erą. Kiekviena Mondriano suknelė buvo šiek tiek kitokia, tačiau visos jos turėjo paprastą A formos formą ir kelių ilgį be rankovių, kurios puikiai tiko kiekvienam kūno tipui.

8. Elsa Schiaparelli

Elsa Schiaparelli, gimusi 1890 m. Aristokratų šeimoje Romoje, netrukus išreiškė meilę mados pasauliui. Ji pradėjo kurti savo revoliucinį stilių, įkvėptą futurizmo, dada ir siurrealizmo. Vystantis karjerai, ji bendravo su tokiais garsiais siurrealistais ir dadaistais kaip Salvadoras Dali, Man Ray, Marcel Duchamp ir Jean Cocteau. Ji netgi bendradarbiavo su ispanų menininku Salvadoru Dali.

Vienas didžiausių bendradarbiavimo mados istorijoje buvo Dali ir Elsa Schiaparelli bendradarbiavimas. Ši suknelė buvo sukurta kartu su Salvadoru Dali kaip Schiaparelli cirko kolekcijos dalis 1938 m. Vasarą. Suknelė nurodo Dali paveikslą, kuriame jis vaizdavo moteris su iškreiptomis kūno proporcijomis.

Siurrealistiniams menininkams idealios moters paieškos buvo pasmerktos nesėkmei, nes idealas egzistavo tik jų vaizduotėje, o ne realybėje. Tačiau Dali neturėjo tikslo vaizduoti moterų tikroviškai, todėl jų kūnai visai nėra estetiški. „Schiaparelli“norėjo eksperimentuoti su šiuo kūno slėpimo ir atskleidimo žaidimu, sukurdamas pažeidžiamumo ir nesaugumo iliuziją. Suknelė su ašarų iliuzija buvo pagaminta iš šviesiai mėlyno šilko krepo, pagerbiant Salvadorą ir jo neproporcingas moteris.

9. Gianni Versace

Pop meno era buvo bene įtakingiausias laikotarpis mados dizaineriams ir menininkams meno istorijoje. Andy Warholas pradėjo kurti popkultūrą ir aukštąją madą, tapdamas ikoniniu pop meno judėjimo simboliu. Šeštajame dešimtmetyje Warholas pradėjo praktikuoti savo parašo techniką, žinomą kaip šilkografija.

Vienas iš ankstyviausių ir neabejotinai garsiausių jo kūrinių buvo Marilyn Diptych. Šiam kūriniui jis įkvėpė ne tik popkultūros, bet ir meno istorijos bei abstrakčių ekspresionistų menininkų. Andy užfiksavo du Marilyn Monroe pasaulius, Holivudo žvaigždės socialinį gyvenimą ir tragišką Norma Jeane, moters, kovojančios su depresija ir priklausomybe, realybę. Diptikas sustiprina vibraciją kairėje, o dešinėje dingsta tamsoje ir nežinomybėje. Bandydamas atstovauti vartotojišką visuomenę ir materializmą, jis vaizdavo asmenis kaip produktus, o ne žmones.

Italų dizaineris Gianni Versace su Andy Warholu turėjo ilgalaikę draugystę. Abu vyrai buvo sužavėti populiariosios kultūros. Warholui pagerbti Versace jam skyrė savo 1991 metų pavasario / vasaros kolekciją. Vienoje iš suknelių buvo Warholo atspaudai su Marilyn Monroe. Į sijonus ir maxi sukneles jis įkomponavo ryškius šilkinius Marilyn ir James Dean portretus iš 1960 -ųjų.

Ir tęsdami mados, grožio ir nepaprastų idėjų temą, taip pat skaitykite apie tai, kaip šiuolaikiniai menininkai makiažą pavertė tikru meno kūriniu.